MARGARETE CAMERON

Julia Margaret Cameron ( 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 ) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

MARIO RUPOLO

"El cartero y Pablo Neruda"

Mario Roúpolo (Massimo Trosi) es un joven que no quiere seguir los pasos de su padre, un pobre pescador. Pero la isla donde viven no ofrece salidas interesantes para el joven por lo que quiere emigrar a América. La oferta de un trabajo como cartero cambia la vida de este joven simplón. Su trabajo consistía en llevar el correo a Pablo Neruda. El poeta y su mujer vivían en una zona apartada de la isla permaneciendo ajenos a la aldea y sus habitantes.

Esta obra narra la relación que se establece entre Mario un personaje que ronda la ingenuidad, la terneza e impaciencia y el poeta tratado en su matiz más humano. Entre ambos surge una amistad alrededor de las palabras y su poder, de la construcción de metáforas y de la poesía como forma de entender y afrontar la vida.

Mario se enamora de Beatrice, una mujer hermosa que trabaja en la taberna del pueblo. Mario pide consejo a Neruda para conquistar a la chica ya que Neruda es el llamado "poeta del amor". En este momento la película afronta el tema de la amistad en su sentido más puro y profundo. Mario accede a la personalidad del poeta, a su inspiración y sus ideales. Al principio Neruda se comporta más distante reflejando así su cara más cercana y sencilla.

Esta película esta arropadísima de detalles bien cuidados haciendo un homenaje al valor de las palabras, de las claves que arrojan para la vida y el camino que abren a lo espiritual, a una nueva realidad más pura.

LEWIS CAROL

Lewis Carroll amó la fotografía, amó la fantasía y tuvo auténtica pasión por las niñas, con las que fantaseó y a las que fotografió. Son fotografías de niñas serias, a veces se hacen las dormidas o están dormidas, pero en muchas de ellas las niñas miran al fotógrafo-espectador, sus miradas son inteligentes, cómplices, no están perdidas en el infinito donde los fotógrafos mandaban (y mandan) a sus modelos «no mires a la cámara», como si el modelo hubiera sido pillado en trance, privándonos de su mirada directa solo para nuestros ojos.  Una de sus fotografías mas interesantes, el retrato de perfil de Alicia Lidell en actitud pensativa, continúa siendo una foto cómplice, no transmite la idea de una foto robada. Si tenemos en cuenta que, en aquella época, para hacer una de éstas fotos era necesaria una exposición de entre diez y treinta segundos, la complicidad del modelo resultaba totalmente imprescindible. ¿Cómo conseguía Carroll esa inmovilidad necesaria de sus pequeñas modelos? ¿Inventaba cuentos y juegos para que ellas estuvieran quietas?, cómo debía disfrutar de sus sesiones de estudio, preparando su cámara «de suave, flexible palo de rosa» y tirando de articulaciones y goznes hasta que el resultado parecía «una complicada figura en el Segundo Libro de Euclides» (tampoco debemos olvidar que su otra gran pasión fueron las matemáticas).

IVONNE VENEGAS

Yvonne Venegas, hermana gemela de Julieta, fotografa de profesión, expuso en la revista de fotografía del CONACULTA Luna Córnea en su edición número 14 titulada Secretos, una serie de fotografías donde cuentan sus más íntimos momentos, ademas cuentan su relación como hermanas y las diferencias que hay entre ellas, aún pareciendo idénticas, por ejemplo el lunar con el que su papá las identificaba, Julieta tiene uno en la pierna e Yvonne uno en el brazo.

MISHA GORDIN

 

Este fotógrafo ruso (1945), se ha dedicado a la fotografía conceptual en dónde su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad. Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando en todos ellos una atmósfera de constante búsqueda para expresar a través de este medio sentimientos y pensamientos.

Gordin define así la fotografía conceptual:

“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.”

HENRI CARTIER BRESSON

crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.

PETER WIKIN

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

GREENFIELD

Lauren Greenfield es una fotógrafa freelance que nació en Boston en 1966 y se crió en Venice (California), ciudad en la que aún hoy vive. Se graduó en la Universidad de Harvard, donde también trabajó realizando fotografías para el Harvard Crimson. Greenfield estuvo contratada en plantilla por National Geographic en 1990, y en 1993 contó con la ayuda de la revista para realizar su libro “Viviendo Deprisa: Creciendo bajo la Sombra de Hollywood” . Gracias a “Viviendo Deprisa”, Greenfield consiguió el Community Awareness Award de la National Press Photographers Association, exponiéndose la obra en el festival Visa pour l’Image en Septiembre de 1995.

En “La Cultura de las Chicas” , su trabajo más reciente (Diciembre de 2002), vemos a chicas que aún son niñas forzando sus pechos delante del espejo para que parezcan más grandes, o la frustración de aquellas que acaban con sus huesos en sórdidos campamentos veraniegos dedicados a la pérdida de peso. “Estoy interesada en la tiranía de las chicas delgadas sobre aquellas que no se adaptan al molde; en la competitiva carrera que disputan las más populares y en cómo se sienten igualmente insatisfechas porque su éxito no es tan fabuloso como parece, en cómo los sentimientos de rabia, frustración o tristeza son expresados de forma física o autodestructiva: dejando de comer, cortando sus cuerpos o siendo promiscuas. El exhibicionismo y el representar un papel son los elementos que definen la experiencia contemporánea de ser una adolescente. El tránsito de las niñas a la edad adulta ha sido completamente absorbido por las empresas, que explotan a conciencia el deseo de éstas de sentirse integradas y seguras de sí mismas.

MANUEL ALAVAREZ BRAVO

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión

NEBREDA

Heridas, sangre, excrementos. Castigo y dolor físico extremo impuestos por voluntad propia y captadas con una cámara. David Nebreda ha estado al borde de la muerte.

Pasó años sin salir de su casa en Madrid donde ahora vive solo: sin radio, ni televisión, ni libros. Tampoco mantiene contacto social ni familiar. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Varias veces estuvo internado en clínicas psiquiátricas. Ahora tiene 50 años. Es licenciado en Bellas Artes, pero sus conocimientos de fotografía son totalmente autodidactas. En un aislamiento absoluto David Nebreda ha creado cientos de autorretratos y algunos dibujos pintados con su sangre. Refleja su propio suplicio cuidando hasta el último detalle la iluminación y decoración de su mundo sin salida.

La obra de David Nebreda, casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia. Las reacciones ante ella siempre son extremas: rechazo absoluto o fascinación pura. Como es el caso de Léo Scheer, filósofo y uno de los promotores de Canal + Francia, que se hizo editor a raíz de ver las fotografías de Nebreda.

David Nebreda rechaza desde hace años mirarse en un espejo. Sólo se concibe en estas imágenes de su propio dolor. “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribe el filósofo francés Jean Baudrillard.

FELIX NADAR

 Es el nombre artístico del fotógrafo francés Gaspar Félix Tournachon,nacido en París en 1820 y fallecido en 1910. Sus fotografías buscan la capacidad de fijar el sujeto para la posterioridad, algo que en su época estaba reservado a otras especialidades artísticas.

En Francia es un mito y haber sido fotografiado por Nadar un gran honor. En el resto del mundo, esta considerado como el gran fotógrafo del siglo XIX.

Nadar prefirió dedicarse a retratar a políticos, científicos o escritores antes que abordar las temáticas de moda. Sin embargo, no le dio la espalda a las nuevas tendencias, y fue uno de los primeros galeristas en prestar su propia sala para exposiciones impresionistas.

EDITH REYES

 

En sus sesiones, Edith combina retratos clásicos a color con espontáneas imágenes a blanco y negro y sepia, capturando todo el romance de la ocasión.

“Pienso que la sesión de los novios debe ser una experiencia divertida, es importante que se sientan relajados y en confianza.
Para mi es un privilegio estar retratando un momento único en sus vidas”.

 

 

 

"El rango de lo ultra feo siempre me ha fascinado. Las cosas consideradas no atractivas e indeseables me han interesado particularmente. Y algunas me parecen realmente bellas".

El principal sujeto de las fotografías de Cindy Sherman es ella misma, de tal forma que la artista se convierte en actriz al mismo tiempo, ya que a pesar de que la base es la propia Sherman, se maquilla y transforma hasta tal punto que ese referente real se pierde y es totalmente sustituido por un personaje, que le sirve a la artista para poner de manifiesto papeles femeninos culturalmente establecidos y marcados por la costumbre tal y como aparecen reproducidos en los medios de comunicación.

 

autoretrato

 

 

 

soy una persona con muchos defectos pero tambien muchas cualidades de las cuales pude destacar mi responsabilidadd,la entrega por el estudio amble y accesible es decir abierta a todo tipo de personas.los defectos que mas resaltan en mi persona son la inseguridad,covardia,el ser tan fragil y sensible,pero todos estos defectos si asi los podemos llamar llega el momento en que juntos explotan y me hacen ser una persona muy cerrada de mente que en la mayoria de las ocasiones qusiera gritar y salir corriendo para uir de muchos problemas mas en el ambito sentimental y es cuando ami me entra la depresion pero a todo esto siempre encuentro la salida que es el desahogarme escribiendo y escribiendo todo lo que siento y lo que quiero expresar es decir dar a conocera las personas que me estan lastimando.el leer es otra de las grandes soluciones para mi que me abre los ojos  y me hace dar me cuenta de otras expectativas que me esperan en un futuro y hacer me una persona mas fuerte con gans de salir adelante y llegar alograr lo que me propongoy en verme ya comno toda una licenciada en ciencias de la comunicacioncon muchos caminos abiertos es decir triunfando.

exposicion del centro de las artes

LA  FOTOFRAFIA QUE MAS ME AGRADO

 

Esta es una fotografía creada que como nos podeos dar cuenta es el rostro de una mujer destrozada.

Tuvo un gran impacto para mi por que también es parte de un problema social que ocurre con mucha frecuencia en nuestro país como la mujer es cada vez mas maltratada por el hombre y como poco a poco se va destruyendo a modo que sus rostro nos refleje la tristeza y el sufrimiento de una mujer desesperada y como es su rostro se desfigura poco a poco.

Su fondo oscuro no es mas que la soledad de una mujer en sufrimiento.

FOTOGRAFIA DE IVAN AGUIRRE GONZALEZ

 

 

LA FOTOGRAFIA QUE MENOS ME GUSTO.

 

Es una fotografía creada que lo me proyecta es la materialidad de las personas, se me  hace que no es  mas que una fotografía de revista sus colores son a tonos de grises, por lo tanto para mi no tiene impacto alguno para mi y no me deja mucho que desear.

 

 

exposiscion de los niños del pitic

Observa, describe e identifica lo creativo

 

 

La imagen que menos me gusto

 

Pobreza es un tema de gran importancia en nuestra ciudad ya que se ve con gran relevancia.

La fotografía que presento a continuación no es de mi agrado ya que no me refleja nada ni me deja nada que decir por que pienso y creo que para un tema como esta hay cosas mas sobresalientes y no el poner un simple cerco con una tabla, por lo menos para mío es obsoleta.

A mí punto de vista creo que no es algo creado pero tampoco algo espontáneo es algo que se pensó, su efecto e iluminación es a blanco y negro por el tema del que se trata.

 

 

La fotografía es de ROCÌO SOLÌS

 

 

 

 

 

 

La fotografía que más me gusto de ROCÌO SOLÌS

 

 

 

Sus contrastes, iluminación y efecto tuvieron mucho que decir ya que para mi proyectan con gran significado lo que es la pobreza y como es que hay muchos niños en esta situación. La mirada de la niña me refleja un gran sentimiento y me hace pensar y reflexionar en como tengo todo y como es que puedo ayudar  a todos estos niños que muchas veces pensamos que no existen y como bien dice la autor:

“Nos entrega sus ojos para que veamos los otros ojos; otros en cuyo reflejo somos un pálido espejismo de nosotros como si lo fuéramos nosotros, desmemoriados como una espiga desecha, la identidad que el viento de la desigualdad trasmuta cada amanecer”.

Me hace sentir una gran tristeza y un gran coraje al no hacer nada por este tipo de niños y que muchos aunque sabemos que existe lo vemos como un caso perdido.

carlos jurado

Carlos Jurado

 

Nos habla de cómo en la actualidad una fotografía se puede significar demasiado ya que nos representa y transmite demasiadas cosas, es decir con muchos significados que es lo que se puede concebir como magia.

 

Como es que Aristóteles descubre la cámara oscura y se la otorga a Leonardo da Vinci por haber sido el primer hombre que la utiliza.

 

Niepce fue el primer hombre que logra la primera fotografía en 1822.

 

Los científicos hablan solo de cosas que se pueden lograr ya que lo demás del pensamiento trata solo de una ideología.

 

Se crea la caja mágica con el cuerno de unicornio ala que se le da utilidad hasta el siglo XI por Merlín que decía “el arte de aprehender imágenes”

 

Tzun Ching Pung “para lograr bellas y delicadas reproducciones, tanto de bosques y lagos, así como de cualquier cosa en general, es necesario disponer del cuerno de Unicornio de Tching-Kuo.”

 

Abd-el-Kamir da una receta de cómo preparar una emulsión sensible a la luz.La formula para prepararla fue descubierta en la era moderna a finales del siglo XIX.

 

Sevilla Adjour esta dedicado tenazmente al desarrollo de sus cajas mágicas; decía también que no se tienen noticias de que “el arte de aprehender imágenes” se hubiera seguido practicando.

 

 

 

 

 

 

La imagen y el hombre

2da parte